Hong Seongjoon,
Yoo Junghyun,
Kang Junyoung
- All Makes Sense
May 15, 2025 - June 14, 2025
‘촉지적(haptic)’이라는 단어가 있다. 이 단어는 ‘만지다’는 의미의 그리스어 ‘haptesthai’에서 파생되었지만 단순한 촉각과 구별되는 신체적 경험을 의미한다. 눈으로 보는 기능과 연관되는 순수 시각적(optic) 감각과 달리 촉지적 감각은 눈으로 만지는 기능과 연관된다. 온 몸으로 대상을 감각하는 경험인 것이다. 아트사이드 갤러리에서 강준영, 유정현, 홍성준 3인의 작가와 함께하는 전시 《All makes sense》는 바로 이러한 촉지적 감각을 자극하여 눈으로 ‘만질 수 있는’ 작품으로 기획되었다. 적극적인 감각 대신 손가락을 따라 액정의 표면적 스캐닝에 머무르는 디지털 경도(傾倒) 사회에서 이번 전시는 회화적 차원의 물성을 느낄 수 있는 경험을 제시한다.
홍성준(b.1987)은 비눗방울, 구름, 하늘, 얇은 비닐과 같이 투명한 물체가 빛을 투과하고 반사하는 조형 형태로 ‘겹’에 대해 탐구한다. 투과와 중첩, 빛의 반사와 왜곡이 만들어낸 겹의 특성들은 가볍고 투명한 환영감으로 귀결된다. 이를 위해 매끈하게 처리된 캔버스 ‘위’에서는 오히려 마띠에르나 붓질의 흔적 등 작가의 존재가 자취를 감춘다. 그 대신 캔버스 뒤에서 작가는 캔버스 천에 미디엄을 바르고 건조한 뒤 표면을 샌딩하고 평평하게 마무리하는 과정을 거치고, 에어 브러쉬로 기존 이미지를 지우며 또 덮고 수정하며 수행적 시간을 가진다. 이와 같은 노동이 물화된 캔버스는 프린트 된 듯 깔끔하고 환상적인 화면을 제시함으로써 관람자에게 그가 일궈낸 촉각적인 회화적 세계로 초대한다.
반복과 수행, 그리고 그것으로 만들어낸 촉지적 질감을 캔버스에 담아내는 것은 유정현(b.1973)의 작품과도 맞닿아 있다. 거침없이 화면에 엉켜 있는 붓질들은 그것이 겹쳐진 순서에 따라 일련의 서사성을 보이는데, 여기서 서사는 작가가 우연과 필연이 교차하는 지점을 포착해 내며 화면을 채워 나간 흔적이다. 물감을 머금은 붓은 작가가 화면에 가한 물리적인 힘에 따라 우연성을 담보하며 옅어지고 굵어지는가 하면, 진해지고 얇아진다. 최근 작가는 다양한 색상으로 화면을 실험하며, 종종 유연한 붓질의 흐름과 반대되는 자로 잰 듯한 수평의 기호를 삽입한다. 얼기설기 얽힌 흔적과 명확히 대비되는 깔끔하고 추상적인 ‘선’은 관람자가 녹색 계열의 화면에서 식물의 형상을 발견하고, 몰입하려는 욕구를 불쑥불쑥 방해하며 구상도, 추상도 아닌 경계의 지점을 충돌시키고 이중적인 감각을 형성해낸다.
강준영(b.1979)은 그가 두텁게 쌓아 올린 물감의 마띠에르 만큼 따뜻한 사랑을 말한다. 그가 텍스트를 통해(literally) 직접적으로 전하는 사랑은 특별한 것이 아닌 모든 사람이 경험할 수 있는 소소하고 공감할 수 있는 것이다. 이번 전시에 출품된 회화는 흰색 계열이 주조를 이루는데, 어느정도 색을 배제함으로써 질감에 집중할 수 있도록 했다. 이렇게 두껍게 발라 올린 그만의 표면 효과는 전시장 중앙에 전시된 세라믹을 통해 관람객이 서 있는 공간으로 확장된다. 그가 사용하는 감각적인 핑크색과 화려한 장식적 표현들은 거친 흙이 유약과 불을 만나 변주된 매끈한 세라믹에 다시한번 매력적인 촉각성을 부여하며 물성을 제안한다.
이번 전시 제목 《All makes senses》는 두 가지 의미를 함축한다. 말 그대로 전시할 작가들의 작품이 다양한 ‘감각’들을 만든다는 것이고, 관용적인 표현으로 모든 것이 기존에 우리가 그랬던 것처럼 비로소 ‘말이 된다’, 즉 ‘비로소 자연스럽다’라는 뜻을 함축한다. 따라서 이번 전시는 디지털 피로 사회에서 벗어나 본래 인간에게 자연스러운 촉지적인 감각을 작품에 사용된 질료적 차원에서, 혹은 결과적으로 시각적으로 느낄 수 있도록 만들어진 감각의 차원에서 제시함으로써 ‘비로소 자연스러운’ 경험을 선사할 것이다.
홍성준(b.1987)은 비눗방울, 구름, 하늘, 얇은 비닐과 같이 투명한 물체가 빛을 투과하고 반사하는 조형 형태로 ‘겹’에 대해 탐구한다. 투과와 중첩, 빛의 반사와 왜곡이 만들어낸 겹의 특성들은 가볍고 투명한 환영감으로 귀결된다. 이를 위해 매끈하게 처리된 캔버스 ‘위’에서는 오히려 마띠에르나 붓질의 흔적 등 작가의 존재가 자취를 감춘다. 그 대신 캔버스 뒤에서 작가는 캔버스 천에 미디엄을 바르고 건조한 뒤 표면을 샌딩하고 평평하게 마무리하는 과정을 거치고, 에어 브러쉬로 기존 이미지를 지우며 또 덮고 수정하며 수행적 시간을 가진다. 이와 같은 노동이 물화된 캔버스는 프린트 된 듯 깔끔하고 환상적인 화면을 제시함으로써 관람자에게 그가 일궈낸 촉각적인 회화적 세계로 초대한다.
반복과 수행, 그리고 그것으로 만들어낸 촉지적 질감을 캔버스에 담아내는 것은 유정현(b.1973)의 작품과도 맞닿아 있다. 거침없이 화면에 엉켜 있는 붓질들은 그것이 겹쳐진 순서에 따라 일련의 서사성을 보이는데, 여기서 서사는 작가가 우연과 필연이 교차하는 지점을 포착해 내며 화면을 채워 나간 흔적이다. 물감을 머금은 붓은 작가가 화면에 가한 물리적인 힘에 따라 우연성을 담보하며 옅어지고 굵어지는가 하면, 진해지고 얇아진다. 최근 작가는 다양한 색상으로 화면을 실험하며, 종종 유연한 붓질의 흐름과 반대되는 자로 잰 듯한 수평의 기호를 삽입한다. 얼기설기 얽힌 흔적과 명확히 대비되는 깔끔하고 추상적인 ‘선’은 관람자가 녹색 계열의 화면에서 식물의 형상을 발견하고, 몰입하려는 욕구를 불쑥불쑥 방해하며 구상도, 추상도 아닌 경계의 지점을 충돌시키고 이중적인 감각을 형성해낸다.
강준영(b.1979)은 그가 두텁게 쌓아 올린 물감의 마띠에르 만큼 따뜻한 사랑을 말한다. 그가 텍스트를 통해(literally) 직접적으로 전하는 사랑은 특별한 것이 아닌 모든 사람이 경험할 수 있는 소소하고 공감할 수 있는 것이다. 이번 전시에 출품된 회화는 흰색 계열이 주조를 이루는데, 어느정도 색을 배제함으로써 질감에 집중할 수 있도록 했다. 이렇게 두껍게 발라 올린 그만의 표면 효과는 전시장 중앙에 전시된 세라믹을 통해 관람객이 서 있는 공간으로 확장된다. 그가 사용하는 감각적인 핑크색과 화려한 장식적 표현들은 거친 흙이 유약과 불을 만나 변주된 매끈한 세라믹에 다시한번 매력적인 촉각성을 부여하며 물성을 제안한다.
이번 전시 제목 《All makes senses》는 두 가지 의미를 함축한다. 말 그대로 전시할 작가들의 작품이 다양한 ‘감각’들을 만든다는 것이고, 관용적인 표현으로 모든 것이 기존에 우리가 그랬던 것처럼 비로소 ‘말이 된다’, 즉 ‘비로소 자연스럽다’라는 뜻을 함축한다. 따라서 이번 전시는 디지털 피로 사회에서 벗어나 본래 인간에게 자연스러운 촉지적인 감각을 작품에 사용된 질료적 차원에서, 혹은 결과적으로 시각적으로 느낄 수 있도록 만들어진 감각의 차원에서 제시함으로써 ‘비로소 자연스러운’ 경험을 선사할 것이다.
There is a word called “haptic.” Derived from the Greek word haptesthai, meaning “to touch,” it refers to a bodily experience that is distinct from simple tactile sensation. Unlike the purely visual (optic) sense associated with the act of seeing, the haptic sense is linked to the act of “seeing with the eyes as if touching.” It is an experience of perceiving objects with the whole body. The exhibition All Makes Sense, featuring artists Kang Junyoung, Yoo Junghyun, and Hong Seongjoon at ARTSIDE Gallery, is designed precisely to stimulate this haptic sense, presenting works that can be “touched” with the eyes. In a digitally inclined society where sensory engagement is reduced to scanning screen surfaces with our fingertips, this exhibition offers an experience where viewers can feel the materiality of painting.
Hong Seongjoon (b.1987) explores the concept of “layers” through sculptural forms that transmit and reflect light—such as soap bubbles, clouds, skies, and thin plastic film. These overlapping layers, created through transmission, reflection, and distortion of light, result in an illusion of lightness and transparency. On the smoothly treated canvas surface, traces of the artist—like material textures or brushstrokes—disappear. Instead, from behind the canvas, he applies medium to the fabric, dries it, sands the surface, and finishes it flat. Using an airbrush, he erases, overlays, and corrects existing images in a process of performative labor. The materialized canvas resulting from this effort presents a clean, fantastical image akin to a print, inviting the viewer into the tactile painterly world the artist has created. For this exhibition, Hong presents new works using special pigments that change color depending on the light and the viewer’s position. Just like real soap bubbles that float and reflect light from moment to moment, his paintings convey a delicate tactile sensation.
This haptic texture derived from repetition and performance is also present in the work of Yoo Junghyun (b.1973), whose practice navigates between gesture and intention. Her boldly entangled brushstrokes reveal a sense of narrative depending on their order of layering—evidence of the artist capturing intersections between chance and control. As her brush responds to the physical pressure applied to the canvas, the paint becomes thicker, thinner, bolder, or more diluted, embodying spontaneous shifts. In her recent works, she experiments with diverse color palettes and introduces ruler-straight horizontal marks that contrast sharply with the fluidity of her brushwork. These crisp, abstract lines interrupt the viewer’s impulse to interpret the green-toned compositions as vegetal forms. In doing so, they clash figuration with abstraction and evoke a layered, dual sensory experience.
Kang Junyoung (b.1979), through the rich matière of thickly layered paint, speaks of a warm and heartfelt love. The love he conveys through literal textual expressions is nothing extraordinary but rather something ordinary and relatable—something everyone can experience. The paintings featured in this exhibition are dominated by white tones, intentionally minimizing color to focus attention on texture. The unique surface effects created through this heavy application extend into the exhibition space through ceramics displayed in the center of the gallery. His use of sensual pinks and ornate decorative motifs grants a renewed tactile charm to the rugged clay transformed into smooth ceramic through glaze and fire, reasserting its material presence.
The exhibition title All Makes Sense carries a dual meaning. Literally, it implies that the works of the participating artists engage a variety of “senses.” Figuratively, as a familiar expression, it suggests that everything “finally makes sense” or “feels natural,” as things are supposed to. In this way, the exhibition offers a “finally natural” experience by presenting haptic sensations—either through the material dimension of the artwork or through the resulting visual experience—restoring a sensory engagement that is innately human and freeing us, if only briefly, from digital fatigue.
Hong Seongjoon (b.1987) explores the concept of “layers” through sculptural forms that transmit and reflect light—such as soap bubbles, clouds, skies, and thin plastic film. These overlapping layers, created through transmission, reflection, and distortion of light, result in an illusion of lightness and transparency. On the smoothly treated canvas surface, traces of the artist—like material textures or brushstrokes—disappear. Instead, from behind the canvas, he applies medium to the fabric, dries it, sands the surface, and finishes it flat. Using an airbrush, he erases, overlays, and corrects existing images in a process of performative labor. The materialized canvas resulting from this effort presents a clean, fantastical image akin to a print, inviting the viewer into the tactile painterly world the artist has created. For this exhibition, Hong presents new works using special pigments that change color depending on the light and the viewer’s position. Just like real soap bubbles that float and reflect light from moment to moment, his paintings convey a delicate tactile sensation.
This haptic texture derived from repetition and performance is also present in the work of Yoo Junghyun (b.1973), whose practice navigates between gesture and intention. Her boldly entangled brushstrokes reveal a sense of narrative depending on their order of layering—evidence of the artist capturing intersections between chance and control. As her brush responds to the physical pressure applied to the canvas, the paint becomes thicker, thinner, bolder, or more diluted, embodying spontaneous shifts. In her recent works, she experiments with diverse color palettes and introduces ruler-straight horizontal marks that contrast sharply with the fluidity of her brushwork. These crisp, abstract lines interrupt the viewer’s impulse to interpret the green-toned compositions as vegetal forms. In doing so, they clash figuration with abstraction and evoke a layered, dual sensory experience.
Kang Junyoung (b.1979), through the rich matière of thickly layered paint, speaks of a warm and heartfelt love. The love he conveys through literal textual expressions is nothing extraordinary but rather something ordinary and relatable—something everyone can experience. The paintings featured in this exhibition are dominated by white tones, intentionally minimizing color to focus attention on texture. The unique surface effects created through this heavy application extend into the exhibition space through ceramics displayed in the center of the gallery. His use of sensual pinks and ornate decorative motifs grants a renewed tactile charm to the rugged clay transformed into smooth ceramic through glaze and fire, reasserting its material presence.
The exhibition title All Makes Sense carries a dual meaning. Literally, it implies that the works of the participating artists engage a variety of “senses.” Figuratively, as a familiar expression, it suggests that everything “finally makes sense” or “feels natural,” as things are supposed to. In this way, the exhibition offers a “finally natural” experience by presenting haptic sensations—either through the material dimension of the artwork or through the resulting visual experience—restoring a sensory engagement that is innately human and freeing us, if only briefly, from digital fatigue.
